Sonnabend Collection

 La Soglia del Visibile. Riflessioni sulla Sonnabend Collection a Mantova 

  

L'arte è l'unica informazione depositata in uno spazio-tempo chiuso a chiave. Non deve scomparire. Deve essere conservata, consegnata, testimoniata. — Anselm Kiefer 

Entrare in questo museo significa compiere un atto che trascende la semplice fruizione estetica. Significa interrogarsi sulla condizione dell'essere umano nel ventesimo secolo — sul modo in cui la coscienza ha cercato di afferrare la propria epoca, di tradurla in forma, di darle voce attraverso il silenzio eloquente dell'immagine. Il percorso si articola in undici sale che non sono semplici contenitori architettonici ma stazioni di un itinerario iniziatico, tappe di una fenomenologia del vedere che attraversa i decenni del dopoguerra fino alla contemporaneità più prossima, con novantaquattro opere capaci di mutare il modo in cui il visitatore abita il mondo. 

Ma prima ancora delle opere, v'è la figura di Ileana Sonnabend — una donna che ha incarnato nella propria biografia la tensione tra mondi, la vocazione al ponte, la necessità del dialogo tra sponde culturali altrimenti destinate all'incomprensione reciproca. Nata a Bucarest nel 1914, trasferitasi a Parigi e poi a New York, Ileana portò in Europa la deflagrazione della Pop Art americana e riportò oltreoceano la meditativa profondità dell'Arte Povera italiana. In lei si operava una sintesi rara: quella di chi non colleziona oggetti ma custodisce visioni, non acquista quadri ma incarna un orientamento dello sguardo verso ciò che ancora non ha nome. 

Le sale dedicate alla Pop Art traboccano di quella tensione propria degli anni Sessanta, quell'epoca in cui il mondo delle merci e il mondo dell'arte si sfidarono a duello sul terreno dell'immagine. Le opere di Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns e Robert Rauschenberg non sono mai soltanto ciò che rappresentano: sono pensieri sulla rappresentazione stessa, domande sospese nell'aria su cosa significhi guardare, desiderare, consumare, ricordare. Il segno qui non indica più un referente esterno — il segno è già il mondo, già la carne dell'esperienza vissuta in un'epoca di riproduzione e spettacolo. E in questo territorio dell'immagine-merce si inscrive anche Arman, il cui lavoro di accumulazione e saturazione oggettuale porta la logica consumistica fino al suo limite estremo: là dove l'abbondanza si rovescia in silenzio, dove il troppo diventa nulla, dove l'accumulo stesso diventa critica dell'accumulo. 

Altrove, nelle stanze dedicate al Minimalismo, il discorso si fa più austero, quasi ascetico. Le strutture di Donald Judd e Robert Morris impongono al corpo del visitatore una presenza che è anzitutto fisica, spaziale, gravitazionale. Non si tratta di contemplare ma di abitare — di rendersi disponibili a una esperienza che avviene nel margine tra soggetto e oggetto, in quella zona liminare dove la percezione diventa pensiero e il pensiero si incarna nuovamente in sensazione. È una filosofia del residuo necessario: togliere fino a che rimanga soltanto ciò che non può essere tolto. 

Ma è forse nelle sale dell'Arte Povera che la collezione raggiunge la sua acme più commovente, quella vibrazione tra il materiale e l'immateriale che appartiene alle esperienze estetiche più rare. Giovanni Anselmo, Jannis Kounellis, Mario Merz, Giulio Paolini, Gilberto Zorio — questi artisti hanno scelto il mondo come repertorio, la materia umile come interlocutore, il tempo come medium. Nelle loro opere si avverte qualcosa che le filosofie dell'esistenza avevano cercato di nominare: la cosa in sé non come concetto ma come presenza irriducibile, come resistenza del reale alla sua stessa dissoluzione nel senso. Michelangelo Pistoletto porta qui la sua urgenza speculare — letteralmente: i suoi specchi che riflettono il visitatore e lo incorporano nell'opera sono forse il dispositivo concettuale più radicalmente democratico del Novecento, poiché affermano che l'arte non esiste senza la presenza viva di chi la abita, che l'opera è sempre incompiuta finché uno sguardo non la completa. 

Anselm Kiefer introduce nella collezione una dimensione di pensiero che trascende il dibattito formale per addentrarsi nei territori oscuri della memoria collettiva, del trauma storico, della mitologia come ferita ancora aperta. Ne è testimonianza eloquente Wege der Weltweisheit: die Hermannsschlacht — opera nella quale il mito della battaglia di Teutoburgo, con le sue figure eroiche convocate dal fondo della storia germanica, si trasforma in una meditazione vertiginosa sull'identità nazionale, sulla violenza fondativa dei popoli, sulla pericolosità mortale del mito quando viene assunto come destino. Le superfici cariche di piombo, cenere, paglia, foglia d'oro — materiali che pesano come secoli — trasformano la pittura in archeologia dell'inconscio europeo. Davanti a Kiefer non si è spettatori: si è convocati, chiamati a rispondere di un'eredità che non si è scelto ma che si porta comunque nel sangue della cultura. È un'arte che non decora ma ferisce, non abbellisce ma costringe alla vigilanza morale. 

Gilbert & George introducono nell'insieme un ulteriore spostamento prospettico: quello dell'identità come opera d'arte totale, del corpo vissuto come medium e messaggio simultanei. Le loro grandi composizioni fotografiche, dense di colori saturi e provocazioni iconografiche, interrogano i confini tra arte e vita, tra privato e pubblico, tra sacro e profano. Nella loro presenza, la collezione si apre a una dimensione performativa che rimanda alla tradizione dell'happening ma la supera nella costruzione di un universo visivo coerente, riconoscibile, ineludibile. 

È tuttavia nello spazio stesso di Palazzo della Ragione che risiede forse il significato più sottile e irripetibile di questa esperienza. L'edificio medievale, con le sue pietre che recano l'impronta di secoli di vita civica, di giustizia amministrata, di mercati e preghiere e controversie, avvolge le opere contemporanee in un'aura che nessun museo di nuova costruzione potrebbe mai generare. Si crea così un'atmosfera sospesa tra epoche — un dialogo silenzioso e non risolto tra l'antico e il contemporaneo, tra il permanente e il provvisorio, tra la materia che dura e il pensiero che muta. 
Le volte medievali che sovrastano una scultura minimalista, la pietra viva che contiene un'opera concettuale: questo contrasto non è decorativo né folcloristico, ma ontologico. Interroga la natura stessa del tempo, della conservazione, della trasmissione del senso attraverso le generazioni. Le opere non sono ospiti dello spazio storico — lo abitano come lo spazio storico abita loro, in una reciprocità che genera qualcosa di terzo, qualcosa che non esisteva prima di questo incontro e che non potrà esistere altrove nello stesso modo. Mantova non è lo sfondo della Sonnabend Collection: ne è parte integrante, co-autrice silenziosa di ogni esperienza che vi si compie. 

La Sonnabend Collection a Mantova non è un museo nel senso tradizionale del termine — non è un luogo dove le opere vengono conservate al riparo dal tempo. È piuttosto un dispositivo di interrogazione permanente, uno spazio nel quale il visitatore viene chiamato a misurare la propria distanza dal contemporaneo, a chiedersi se e come la propria sensibilità sia all'altezza dell'audacia con cui questi artisti hanno affrontato l'esistere. Non è una domanda confortante. Ma le domande più necessarie non lo sono mai. 

Il passato ritorna solo quando il presente scorre così liscio da sembrare la superficie di un fiume profondo. Allora si vede attraverso la superficie fino alle profondità. — Anselm Kiefer 

 

 

Palazzo della Ragione, Piazza Erbe 13, 46100 Mantova 

Orari: mercoledì–lunedì, ore 10:00–18:00 (ultimo ingresso un'ora prima della chiusura). Chiuso il martedì. 

Ufficio stampa: Babel Agency — [email protected] 

Maddalena Cazzaniga: [email protected] 

Francesca Tablino: [email protected] 

Marsilio Arte — [email protected] 

Giovanna Ambrosano: [email protected] — 

Sito: www.sonnabendmantova.it